Unos minutos para el relax: los Mandalas.

¿Sabías qué?...

La palabra Mandala, que significa círculo, rueda o totalidad, ha viajado durante miles de años por diferentes culturas convirtiéndose en centro de enseñanzas espirituales y psicológicas. Dejando a un lado su definición puramente etimológica, desde el punto de vista espiritual, se considera la representación gráfica del centro energético de equilibrio y purificación de la persona que lo dibuja. Es una forma de encontrar la tranquilidad y equilibrio entre el entorno y la mente, por lo que los mandalas son muy usados en la meditación y culturas como la del yoga.

También se le define como un sistema ideográfico, porque en él se representan las ideas de la mente de forma material mediante formas geométricas y colores.

Aunque los mandalas nacieron en India, donde decoran las paredes de muchos de sus templos, pronto se propagaron por el resto de culturas occidentales hasta llegar a las manos Carl G. Jung. Este psicólogo y alumno de Freud, dio un nuevo sentido a los mandalas incorporándolos es sus terapias con el objetivo de alcanzar la búsqueda de la individualidad dentro de las nuevas sociedades de masa. (El Hombre y sus símbolos, Carl G. Jung)

Para ello, cada día al despertar, Jung dibujaba sus sueños representándolos en un mandala para luego poder interpretarlos (acto en el que se nota la gran influencia de la escuela de Freud). Gracias a esta actividad diaria, pudo descubrir que existía una relación entre lo que dibujaba y su centro como persona; idea desde la que parte su teoría sobre la estructura de la psique humana en la que explica que los mandalas representan la totalidad de la mente, abarcando tanto el consciente como el inconsciente.

En la actualidad, los mandalas se usan para buscar la tranquilidad y como herramienta de meditación en el yoga. Este trabajo de meditación se realiza mediante la observación en quietud de un mandala (siempre mirando a su centro que representa el nuestro propio) que previamente has dibujado y coloreado. Al hacerlo uno mismo, el mandala se convierte en la externalización gráfica de nuestro interior y es completamente personal y único. Otra persona puede dibujar tu mismo mandala, pero nunca usará los mismos colores.

Pero ¿qué es físicamente un mandala? Es una composición visual creada por diferentes formas geométricas que se distribuyen de forma concéntricas en diversos niveles. Los mandalas siempre deben de tener un centro claro (donde se representa el propio centro de la persona), así como los puntos cardinales resaltados. Las formas más usadas para crearlos son: los círculos, los triángulos, los cuadrados y los rectángulos. Aunque también pueden aparecer otros tipos de figuras y dibujos como estrellas, lunas, serpientes o motivos de la naturaleza.

Antes de dibujar y pintar un mandala, se debe hacer un ejercicio de meditación para visualizar el mandala en blanco y negro (si ya está creado) o el folio en blanco (si la persona se dispones a empezar desde el principio) para luego poder imaginarlo terminado. Dependiendo de su estado de ánimo, mentalmente visualizará el mandala con unos u otros colores. Esos son los que debe usar para pintar el mandala una vez terminada la meditación.

La teoría dice que si la persona siente que necesita exteriorizar sus emociones, puede colorearlas de adentro hacia fuera; si por el contrario, quiere buscar su centro, se pintará de fuera hacia adentro.

¿Qué significan las formas escogidas? Los mandalas no son simples dibujos de colores, pues todos sus elementos tienen un significado que se puede analizar como ya lo hacía Jung con los sueños. Por poner algunos ejemplos:

• Círculo: movimiento. Lo absoluto. El verdadero yo.
• Corazón: amor, felicidad, alegría, sentimiento de unión.
• Cruz: unión del cielo y la tierra. Vida y muerte. Lo consciente y lo inconsciente.
• Cuadrado: procesos de la naturaleza. Estabilidad. Equilibrio.
• Estrella: símbolo de lo espiritual. Libertad. Elevación.
• Espiral: vitalidad. Energías curativas. Búsqueda constante de la totalidad.
• Hexágono: unión de los contrarios. 
• Laberinto: implica la búsqueda del propio centro.
• Mariposa: autorenovación del alma. Transformación y muerte.
• Pentágono: silueta del cuerpo humano. Tierra, agua y fuego.
• Rectángulo: estabilidad. Rendimiento del intelecto. La vida terrenal.

·        Triángulo: agua, inconsciente (si está hacia abajo), vitalidad, transformación (si está hacia arriba); agresión hacia uno mismo (hacia el centro)

         ¿Qué quieren decir los colores? El uso de los colores en los mandalas también tiene un significado especial y es quizás la parte más interesante en los estudios y análisis de los mandalas. Su uso está relacionado con el estado de ánimo de quien los pinta y, sorprendentemente, la persona deja a un lado sus colores favoritos en la vida diaria, para dejarse llevar por lo que siente en el momento de la meditación y los colores que representan eso que siente. Algo muy estudiado en la psicología (como enseñanza y legado de Jung) tanto en los adultos como en los niños.

Estos son algunos de los significados y sentimientos que evocan o podemos descubrir de nosotros mismos al pintar nuestros mandalas:

·        Blanco: nada, pureza, iluminación, perfección.

• Negro: muerte, limitación personal, misterio, renacimiento, ignorancia.
• Gris: neutralidad, sabiduría, renovación.
• Rojo: masculino, sensualidad, amor, arraigamiento, pasión.
• Azul: tranquilidad, paz, felicidad, satisfacción, alegría.
• Amarillo: sol, luz, jovialidad, simpatía, receptividad.
• Naranja: energía, dinamismo, ambición, ternura, valor.
• Rosa: aspectos femeninos e infantiles, dulzura, altruismo.
• Morado: amor al prójimo, idealismo y sabiduría.
• Verde: naturaleza, equilibrio, crecimiento, esperanza.
• Violeta: música, magia, espiritualidad, transformación, inspiración.
• Oro: sabiduría, claridad, lucidez, vitalidad.
• Plata: capacidades extrasensoriales, emociones fluctuantes, bienestar.

Sabiendo esto, podríamos analizar un mandala tan complejo y multicolor como este. Por poner algunos ejemplos, los corazones significarían amor, felicidad y alegría en tono a un sentimiento de unión, de hecho, los corazones aparecen en conjuntos de varios. Pero al estar pintados de rosa, resalta el aspecto femenino o incluso infantil de la persona.

Otro color que predomina es el azul de la tranquilidad, que al enfrentarse con los tonos rojos y naranjas, crea una paradoja visual y de significado entre la tranquilidad, la fuerza, la energía y la pasión.

Como todo mandala, tiene un centro con colores muy potentes que representan el dinamismo de la persona, ya que cada color nos lleva a su vez a un sentimiento.

Texto en Otras Realidades.

Luna Nueva: un ejemplo del no-periodismo

♦ Título Traducido: “Luna Nueva”

♦ Duración: 92 minutos

♦ Año de producción: 1940

♦ Género: Comedia

♦ Dirigida y producida por: Howard Hawks

♦ Intérpretes: Cary Grant, Rosalind Rusell, Ralph Bellamy, Helen Marck, Gene Lockhart, Porter Hall, Ernest Truex y Cliff Edwards.

Muchas veces nos quejamos de que la televisión y el cine no son educativos, que han perdido su calidad y se han desprendido de sus valores para abrazar un estilo de ocio sin sentido. Es cierto. Existe la televisión y el cine basura.

Pero por suerte, la historia nos deja grandes clásicos que nos enseñan a apreciar el arte del cine en todo su esplendor. En este caso he escogido una película del gran Howard Hawks que más que educar, nos enseña que es lo que no tenemos que hacer si queremos dedicarnos al mundo de los tabloides con un mínimo de honor y decoro.

Walter Burns, directo galante y sin escrúpulos de un periódico sensacionalista pero de gran tirada y seguimiento nacional, Morning Post, utiliza el caso de un hombre acusado del asesinato de un policía negro y condenado a la horca, para nutrir la primera página de su diario. Esta noticia que ha llenado sus páginas durante días alegando locura transitoria como defensa del acusado, puede dar un giro inesperado si se produce el indulto del hombre. Algo por lo que el periódico ha estado luchando, pero sin importarle el bien y la vida del condenado, sino por destacar y diferenciarse de la competencia que abogan por su ejecución.

Al mismo tiempo, y dándole casi más importancia, ocupara su tiempo a desplegar toda su astucia y todos sus trucos sucios (de tratos, contactos y de seducción) para intentar recuperar a su ex mujer, a punto de casarse de nuevo con un joven ingenuo y adinerado que todavía vive con su madre en Albany. Esta mujer es Hildy Johnson, una sagaz y aventurera reportera que sin embargo, está dispuesta a dejar la profesión para sentirse de nuevo humana y formar su familia.

Sin lugar a duda, “Luna Nueva” es una de las mejores comedias de Howard Hawks en la que se trata, de forma demoledora pero irónica, los problemas y violaciones diarias a la ética en el ejercicio de la labor periodística. Esta obra maestra del cine, muestra la falta de escrúpulos de algunos periodistas que juegan con la vida, intimidad y la verdad a cambio de fama, sobornos, pactos o, simplemente, de un sueldo y una columna a publicar un día más.

Como dice la crítica “nunca se trato con tanta acidez la profesión periodística”, pero es que también deja ver la deshumanización de la persona y las estrategias de manipulación y persuasión que van asociadas a aquella persona que tiene el don de la palabra. Una simple línea escrita en un periódico, pude cambiar el destino de una persona. Puede decidir si vive o muere.

Como el propio Walter Burns dice, la vida muchas veces nos demuestra cual es la “fuerza de periodismo”, una fuerza capaz de salvar vidas o de denunciar injusticias. Pero también, y esta es la cara más amarga que se nos enseña en esta película, capaz de mentir, manipular, sobornar y muchas otras prácticas que violan la ética para conseguir una exclusiva y la fama.

  

Si a todo esto le incluimos un componente de amor junto al de la investigación de un crimen y un fugitivo, encontramos que tenemos entre nuestras manos un cóctel molotov a punto de estallar por incumplimiento de las reglas éticas.


Texto en Cine y Literatura.

Las Pintadas de la Revolución

Una forma de expresarse cuando la palabra es acallada, es el arte urbano.

  Hace algunos meses, todavía era más que probable que mirando los periódicos o escuchando las ondas hercianas, nos llegaran informaciones desde ese lejano Oriente que cada vez sentimos más cercano. Las Revoluciones Árabes colmaron nuestra actualidad durante meses y meses, desde que al llegar la primavera, el pueblo egipcio rompiera sus barreras de represión para gritar en la calle sus quejas y desprenderse de sus temores.

  A ellos, les siguieron los ciudadanos de Túnez, Yemen, Libia y Siria entre otros. Países que a muchos no les sonaban más que por estar erróneamente relacionados en el imaginario colectivo de la sociedad, con el turismo en el caso de Túnez, o con aspectos más negativos como el terrorismo y el petróleo. Pero en esos días, pasaron de ser sólo eso a ser un ejemplo a imitar hasta en los “países democráticos” entre comillas. Las Revoluciones Árabes se globalizaron y, con ello, se internacionalizó su adjetivo hasta convertirse en Revoluciones Occidentales en países supuestamente democráticos.

  Ellos, luchaban por la libertad contra tiranos y dictadores. Nosotros, por obtener una democracia real en donde los políticos dejen de gastarse dinero de las arcas públicas en sus vidas, para escuchar a los ciudadanos y empezar a preocuparse por las vidas de los que le votaron. Tristemente sí, les dimos nuestros votos. Lo más preciado que nos queda junto a nuestra palabra y derecho a la disconformidad.

  Meses después, nos despertamos y ni Egipto, ni el propio 15-M tenían un hueco en las informaciones. La agenda de verano de los medios se había acabado. Ya no se daba voz a los jóvenes de Londres, a los de Barcelona y mucho meno a los de Túnez o a los sirios olvidados por la Comunidad Internacional.

  Siria, ese gran olvidado que, aunque aparece diariamente en los telediarios, continua la casi pasividad de la ONU y la Liga Árabe mientras mueren miles de personas. A día de hoy, más de 9.000 sirios han perdido la vida y 200.000 han abandonado su hogar por miedo a las torturas sistemáticas (según un informe de Amnistía y ACNUR).

  Por suerte para nosotros, los medios tradicionales no son los únicos espacios para la información y la reflexión. Paseando por la Calle Alcalá (en su número 62), encuentras la Sede de La Casa Árabe que ha recogido una muestra fotográfica sobre de las pintadas y las intervenciones urbanas realizadas en los países del Magreb. Una forma de expresarse cuando la palabra es acallada, es el arte urbano.

  Además, esta exposición recoge uno de los debates más abiertos: la fotografía como archivo o documento frente a la fotografía “estética” propiamente dicha. En el ámbito del arte contemporáneo es evidente que tanto una como otra, y un híbrido entre ambas, tienen cabida; siempre y cuando reúnan un criterio artístico de peso. En este caso, no sólo te encuentras con fotografía de archivo o documento, sino que el espacio, el montaje y la formalización visual de las fotografías (todo esto en conjunto e individualmente) adquieren un componente estético bastante atractivo. Cada una de las paredes de la exposición se cubren con graffitis que reproducen los existentes en las calles. Te introducen y localizan en el espacio real a cuenta del graffitero ymuralista Zeta/1970.

  Y es que en este proyecto se hace un recorrido desde los inicios de la Primavera Árabe hasta el día de hoy mediante fotografías de de las intervenciones urbanas tanto del pueblo civil, como de artistas urbanos en stencil (estarcido) o graffiti. En un espacio separado por países, el recorrido empieza en Túnez hasta llegar a Siria.

  Por ejemplo, en Túnez, lo más significativo es el documento gráfico de una intervención urbana relacionada con los vehículos del ex-dirigente Ben Alí, destruidos tras su derrocamiento. Así, se reproduce un discurso que relaciona los coches destruidos del dictador y los ciudadanos.

  En Egipto, se da un paso más allá y no sólo se muestra la introducción del arte protesta en la urbe, sino que se documenta el proceso. El resultado es una pieza audiovisual donde un artista realiza retratos enormes de los mártires de la revolución contra el régimen de Mubarak, y donde se relata como uno de esos retratos fue tapado. Este hecho provocó una reacción civil inesperada y el artista tuvo que volver a dar vida al retrato.

  Pasando por el espacio dedicado a Libia, descubrimos pintadas irónicas de Gadafi donde lo que más destaca es su bandera como símbolo de unidad e identidad nacional contra su dirigente.

  He de recalcar que en muchas ocasiones se nota el influjo de lo que ha supuesto Internet en la vida de muchos jóvenes de allí. Por poner un ejemplo, en una fotografía muestra una ventana de Windows con el mensaje “Delete Ali? press Ok o Cancel”, sin duda una audacia digna de mención, donde las nuevas tecnologías les han permitido crean un lenguaje artístico combativo.

  Pero quizás lo más interesante o el mensaje más potente nos lo da la pared dedicada a Siria. Tras ver paredes repletas de fotografías y graffitis, el espectador se encuentra con una pared en blanco donde únicamente yace la siguiente frase: “Espacio dedicado a las fotografías en las calles de Siria cuando esté permitido hacerlo”. Sin duda un broche de oro para finalizar esta exquisita exposición, pero también un mensaje que debe hacer que nuestras neuronas se manifiesten.

  Las fotografías que se nos muestran, conforman una visión del auténtico clima de cambio en estos países impulsado por los más jóvenes que iniciaron una revolución en las calles. Pero de nada sirve que se haga una exposición si la realidad no puede ser conocida, si las fronteras del poder no están en las fronteras físicas de un país sino dentro del propio país impidiendo que sus ciudadanos puedan conocer lo que pasa. Si ellos mismos están desinformados, ¿cómo vamos a conocer “nosotros” señores de occidente” lo que ocurre?

  Estas fotografías nos dan una respuesta: el arte urbano como una nueva forma de diálogo informativo que nos ayuda a conocer las reivindicaciones sociales de aquellos que no tienen posibilidades de anunciarlo de otra forma. Quizás las paredes de sus calles sean las nuevas páginas de los periódicos.

Texto en Pinceladas expuestas.

La actualidad dibujada.

Cuantas veces habremos odio la famosa frase de: “una imagen vale más que mil palabras”. Un tópico, un refrán, un dicho ya redicho que todos asumimos como cierto y categórico.

Yo, como estudiante de las letras y amante del género radiofónico, he defendido siempre una postura contraria que dotaba a la palabra, ya fuera escrita o hablada, de una fuerza superior capaz de mover aquello que no conseguía ni la religión. Sin embargo, he de reconocer que las cosas cambian nos gusten o no, y que, en la actualidad, la ola de lo audiovisual nos inunda hasta empujarnos a una asfixiante tendencia hacia la imagen.

Por ello, en esta ocasión abogo por la actualidad gráfica que, desde su postura humorística, nos enseña la realidad y la rabiosa actualidad de los acontecimientos en las páginas de los periódicos. Pero quizás nos enseñen algo más, quizás nos estén demostrando que los radicalismo en las creencias, ya sean científicas, ideológicas, religiosas o teóricas, nunca fueron buenos. Nos muestra que nunca se es o blanco o negro, ni siquiera ya lo son los tabloides, y que por ello, no es o palabra o imagen, sino la unión.

Sentaros unos segundos a ver estas viñetas y pensar si serías capaces de entender su contenido si faltase alguno de sus dos componentes, si solo estuviesen creadas a base de imagen o de palabra.

No se me ocurre una prueba mejor para demostrar que la fuerza y la convicción no se consigue mediante la confrontación, sino mediante la colaboración.

En Reflexiones de Hoy.

Cantos de poesía y humor al amor

Una noche más las puertas de la Sala Galileo Galilei se abrieron para recibir a un público diferente que aprecia el intimismo y el sonido especial de la acústica de las salas pequeñas. Ayer esas personas acudieron para disfrutar con las letras de poesía de Marwan y el cantautor madrileño no defraudó.

Dos horas de emociones, de letras de discos antiguos que se intercalaban con pequeñas pinceladas de lo que será su próximo disco que, aunque está a las puertas del estudio de grabación, no verá la luz hasta el otoño que viene.

Una guitarra acústica, un violín en manos del virtuoso Marino y una voz de origen palestino que canta al amor y al desamor por igual, pero sin dejar atrás las raíces sociales de cantautores como Silvio Rodríguez o Ismael Serrano, sin duda dos influencias fuertes en la música de Marwan.

Como siempre que pisa la Galileo, pues es ya un viejo conocido del café teatro, lleno completo. Parece que su oferta de música de autor mezclada con "monólogos humorísticos", en los que cuenta su vida y explica sus canciones, es una apuesta ganadora en el difícil panorama de la música española actual. Más aún para un cantautor.

Tras arrancar con Trapecista, Qué pasa y Mi paracaídas, las primeras canciones de su último disco, vinieron bromas y vivencias para hacer cómplices al público con recuerdos a las victorias del Barça, uno de los grandes amores de Marwan tras la música, e historias de novias antiguas que dejan diferentes sabores para el recuerdo.

Una prueba de su humor que originó carcajadas durante todo el recital es la respuesta que dio a los gritos de guapo que venían desde el foso. Pedía sinceridad y explicaba: "lo bueno es que soy lo suficiente  feo como para saber que si triunfo lo hago por mí mismo".

Ángeles, Meninos da Rua o Carita de tonto sonaron en la sala oyéndose más la voz de los espectadores que la del propio intérprete. Pero sin duda, uno de los momentos más cercanos del concierto se vivió cuando Marwan decidió despedirse dejando atrás el micrófono y bajando a cantar Adolescente entre la gente. Un recuerdo para todos los músicos que empezaron componiendo en la calle.

Marwan quiso compartir este concierto con dos invitados. Federico Woolf puso la nota latinoamericana al traer sus letras desde Uruguay y dejar en silencio a una sala expectante. El contrapunto vino de la mano de Ignacio Martín Lerma con un recital de poemas a la guitarra que sirvió para abrir el apetito ante la presentación en septiembre del nuevo libro de poesía de Marwan. Una aventura que comparte con un tercero en discordia,  el también cantautor Diego Ojeda.

Al terminar, Marwan con bolígrafo en la mano bajaba para firmar y agradecer todas las presencias en un concierto con canciones que se podían resumir con uno de los versos que se recitaron: "Yo, tú, él, tú y él... yo". El amor y el desamor.


Texto En Clave Musical.

Inaguración 19-36 y Galeria 800

 

Inauguración del colectivo de artistas 19-36 en la Galeria 800 el 12 de abril a las 19:36 h.

¡No os lo podéis perder!.

Texto en Pinceladas Expuestas.

19 - 36

Si os gustó el arte y la inovación del colectivo de artistas 19-36, no te puedes perder sus nuevas obras. Navega por su blog y descubre sus actualizaciones que te harán sentir el arte de una forma diferente y divertida.

Descúbrelos en 19-36. 

Texto en Pinceladas Expuestas.

Madrid es cultura y ocio

Parece mentira que viviendo en una ciudad como Madrid, una ciudad bella, cultural, divertida y que nos ofrece un sinfín de posibilidades cada día, siempre tengamos la misma frase preparada para salir de nuestros labios con un tono de aburrimiento: “¡Hoy no tengo planes!”.

Para que esta frase quede desterrada de nuestra mente, os presento a Madrid en un mapa donde podéis encontrar un plan para cada día de la semana y a precios muy asequibles, sobre todo para esos jóvenes bolsillos que aún están estudiando.

Navegando por las calles de Madrid, podemos encontrarnos un gran número de cines, restaurantes, teatros, librerias, salas de conciertos, galerías o casas culturales, que nos permiten conocer un poco mejor la cara más amable y divertida de esta enigmática ciudad que todos pensamos conocemos. Pero ella, siempre nos depara alguna nueva y agradable sorpresa.

Ver Madrid Cultural Pidel en un mapa más grande

Verhoeven y sus bailes con Freud.

Es cierto que la herencia de Freud es concurrida en potencia para su explotación dentro del entorno cinematográfico. La forma en que surgen “necesidades” para agradar nuestro inconsciente, ha abierto la caja de Pandora de las industrias de la subjetividad, tal y como las nombra José Luis Brea.

 

Me basaré en tres películas diferentes del director holandés Paul Verhoeven, para entrar en un juicio crítico sobre diferentes términos : El Libro Negro, Instinto Básico y Delicias Turcas.

Eros y Thanatos en su estado puro. Paul Verhoeven estimula, a mi parecer, en ocasiones de forma abrupta y en otras, con acierto dichos impulsos intrínsecos. Esa forma abrupta no quiere decir que no le de resultado (aunque se evidencia una forma evolutiva a mejor en dichas formas si comparamos por ejemplo Delicias Turcas con El Libro Negro).

Y es que hay escenas bastante repetidas dentro de sus películas, que sirven para analizar en detalle sus estrategias.

Esa especie de orgía voyeurista (y no tanto), como es toda la escena que transcurre con el exitoso cruce de piernas de Sharon Stone en Instinto Básico o con el disfrute de los soldados nazis con Halina Reijn en el Libro Negro, activan perceptivamente esos instintos primarios de los que habla Freud.

Por otra parte, algunas de las escenas en Delicias Turcas, donde Rutger Hauer fuerza a alguna que otra chica o la escena de “violación” en Instinto Básico de Michael Douglas sobre Jeanne Tripplehorn, es donde a mi humilde juicio, creo que traspasa ese límite en el juego sexual-agresivo con el cual basa gran parte de su “éxito”.Y es que creo, que en otras ocasiones a lo largo de la historia del cine, si se ha logrado resolver mejor, el mismo tratamiento (La Naranja Mecánica). No hace falta irnos a esa escena antes comentada en Instinto Básico, simplemente los azotes en el culo de Rutger Hauer a Monique Van de Ven, para supuestamente machacar una planta sobre su culo resume un poco mi punto de vista.

Otro de los aspectos más requeridos de este director, es el uso de las heces o los vómitos. Veamos la situación en Delicias Turcas, donde Rutger Hauer coge la mierda de su novia para visualizarla. Esa forma de ser elitista moderno (en ocasiones bastante parecido a Thomas de Blow Up con tintes de Alex de la Naranja Mecánica), funciona hasta llegar a momentos histriónicos como el descrito. Aunque he de decir que en ocasiones si que le sirve dicho reclamo. Pero dejándome llevar por mi juicio como espectador, he de considerarlo en ocasiones excesivo. Ni que decir tiene lo del perro que lame la placenta recién derramada de la madre que se va a casar, los ojos de caballo en el plato de comida o el esparcimiento de lombrices sobre la mujer… (Delicias Turcas)

En cuanto a los vómitos, vemos un hecho a considerar: en el Libro Negro, la chica vomita al ver al hombre que mató a su familia y en Delicias Turcas, el chico vomita al ver a su novia liarse con otro tío. Violencia de la mujer vs violencia del hombre, motivos de la mujer para matar a alguien vs motivos del hombre para matar a alguien (según Verhoeven). 

No peca de mala fotografía, cada vez más madura en cuanto pasan los años, y es que a mi parecer El Libro Negro supera a Instinto Básico como película (aunque mas de una persona no esté de acuerdo). Algo en lo que sí que peca, aunque también menos a raíz de que su obra madura, es de los fallos de raccord, que aunque se dan en todas las películas que imaginemos, a Verhoeven se le escapan a veces muchos más detalles que a otros directores. Véase cuando Rutger Hauer bebe de la botella que encuentra en la playa en Delicias Turcas, cuando el padre de la novia les ofrece las copas o cuando Sharon Stone se hace el moño imposible en pocos segundos a la espera de Michael Douglas para llevarla a interrogar y cuando fuma el cigarro en el piso de Douglas. Fallos que comete cualquier ser humano, pero en este caso con poco tacto al ser momentos tan evidentes.

Siguiendo con posibles referencias de Verhoeven o con momentos repetidos en algunas de sus películas, el director se centra en el ofrecimiento de la mujer para el disfrute del espectador. Esa Lolita que es vista por el chico del barco en El Libro Negro o esa escena donde la acompañante en la bicicleta muestra su cuerpo a los demás (Delicias Turcas o El Libro Negro). Esa connotación juvenil de la mujer no solo se hace patente con la pose y deleite visual estereotipado de la Lolita; el dedo en la boca mientras duerme en Delicias Turcas es otro momento a tener en consideración.

Por último, para acabar con este director peculiar, algo en su favor: muy buen uso de los espejos y de los reflejos, muy buena utilización de este recurso, no cuanto menos difícil.

Con la colaboración de Miguel Ángel Rego Robles.

Texto en Cine y Literatura.

Arte en 19-36.

¿Qué entendemos por arte? ¿Qué imagen crea nuestro cerebro imaginador cuando pensamos en el concepto de arte? ¿Realmente sabemos lo que es? estas son algunas de las preguntas que deberíamos de hacernos y que, sin embargo, abandonamos y relegamos al olvido por creer que ya está todo inventado. O como les ocurre a muchos, por pensar tristemente que el arte nos es más que pasear entre aburridos cuadros que si no fuera por la restauración, el polvo de los siglos cubriría con rabia sus superficies.

Pero es que este es el problema. Debemos separarnos de ideales cerrados y de dogmas clásicos que nos alejan de lo que puede ser el arte en el momento, en el día de hoy. El arte es un ser, un concepto que cobra una vida diferente y efímera en cada etapa. De hecho, lo que hoy es arte, mañana puede haber quedado en el pasado. Esto es la posmodernidad.

Y como lo que es hoy, quizás mañana sea arte del pasado y reconocido en grandes paredes de museos, no podéis dejar pasar ni un minuto más para ver la obra de 19-36, un grupo de estudiantes de Bellas Artes que entienden el arte tal cual entienden su vida. Aquí, sobran las explicaciones, pues los ojos, el cerebro, el corazón y el bello erizándose son los únicos jueces válidos.

Os dejo una pequeña muestra de la obra de Miguel Ángel, David, Raúl, y Asma para abrir el apetito. El buffet libre lo podéis encontrar en la Web de 19-36. 

Texto en Pinceladas Expuestas.

Perfil: Una vida de dedicada al Realismo. Una vida pintada.

 “Una vida dedicada al Realismo. Una vida pintada”. Así se podría definir la larga trayectoria y vida del prestigioso pintor Antonio López García al que se considera padre de la escuela hiperrealista madrileña y, que a influido con su estilo, a artistas de más actualidad como Toral o Villaseñor. Aunque, dentro de su característica humildad, él prefiere autodenominar a su obra bajo el nombre de “Realismo mágico”.

Se formó junto a su tío, también pintor, Antonio López Torres, por lo que en este caso se puede afirmar que procede de una familia de artistas dedicados a plasmar la realidad por medio del arte pictórico. Una realidad no siempre bella e idílica, sino muchas veces marcada por los aspectos más sórdidos con rasos de de la literatura naturistas. Simplemente la verdadera realidad de su época.

"La Gran Vía".

Entre 1950 y 1955, estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, actual Facultad de Bellas Artes perteneciente a la Universidad Complutense de la misma ciudad y, la cual, da nombre al Museo de Bellas Artes de San Fernando. Una vez finalizados sus estudios, alternó su trabajo entre Tomelloso, su ciudad natal que plasmará repetidas veces en su obra a modo de homenaje, y Madrid, ciudad de la que estaba enamorado por su gran versatilidad; sentimiento que conocemos pues se preocupa en trasmitir a través de sus propias palabras y en obras tan conocidas como “Gran Vía” o “Vistas desde Vallecas”. Fue entonces, cuando realizó sus primeras exposiciones individuales (entre 1957 y 1961) en Madrid, siendo también profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

"Cuarto de Baño".

Su obra está influida por el grandísimo Salvador Dalí, de quien tomó el gusto por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Asimismo, en su estilo hiperrealista se identifica la temporalidad y el deterioro de lo material. Antonio López es, en definitiva, un artista que busca, dentro de la realidad que lo circunda, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como bien está demostrado en "Cuarto de baño".

Como datos que nos muestran su reconocimiento dentro del panorama artístico y cultural, hay que destacar que su obra fue adaptada al cine por el director cinematográfico Víctor Erice en el film titulado "El sol del membrillo" (1992).  En el año 1985 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias y en enero de 1993 nombrado miembro de la madrileña Real Academia de San Fernando.

En la actualidad, el nombre de este gran pintor que supo plasmar a la perfección los rasgos de la vida del S. XX, vuelve a resonar en el ámbito académico y, más concretamente, en los oídos de los estudiantes de Bellas Artes de Madrid, pues su figura personal y sus rastros de influencia o los legados que ha dejado en el mundo del dibujo y la pintura, se recuperan para el estudio. Pero también por la curiosidad que despertó la sombra de su presencia en el verano de la Puerta del Sol, y digo sombra de su presencia pues, aunque era conocido que durante largos día el pintor iba a comenzar el regalo de un nuevo lienzo, fueron pocos los afortunados que consiguieron coincidir con él. Una servidora, por más que lo intento, nunca lo consiguió. Pero también hay que recordar sus recientes y gigantes bustos de niños, que duermen y observan como la noche y el día, bustos que podemos visitar en la estación de Atocha.

Busto del día.

Con todo esto, se demuestra una vez más, que el nombre o renombre del arte nunca mueren; dejando siempre paso a nuevas y creativas generaciones que siempre vivirán a la sombra y, al mismo tiempo, aprovechándose de los grandes legados, de los artistas del presente-pasado. En este caso, de la realidad pintada de España por la virtuosa mano, casi fotográfica, de Antonio López.


Texto en Pinceladas Expuestas.